Wie haben sich diese 35 Jahre künstlerischer Arbeit gestaltet und was bringt uns diese Ausstellung?

Es ist meine erste Ausstellung hier in Wien, Österreich. Sie sind alle herzlich eingeladen, vorbeizukommen und meine Kunstausstellung zu genießen.

Ich habe mich gefragt, was in den letzten 35 Jahren passiert ist. Nun, das verliert sich im Nebel der Zeit, aber ich bin Absolvent der Kunstakademie in Kuba. Ich hatte eine, wenn Sie so wollen, spezialisierte Ausbildung in Malerei von Künstlern, die hier in den exquisitesten europäischen Schulen ausgebildet wurden, und obwohl Kuba eine Insel mit historischen und kulturellen Gegebenheiten ist, sind wir in Bezug auf Kultur und Kunst eine Gesellschaft, die ziemlich viel aus den Quellen praktisch des ganzen Planeten trinkt und wir verarbeiten sie und stellen unser Produkt her. Ich glaube auch, dass dies Teil der gleichen lateinamerikanischen Logik ist. In meinem Fall hatte ich die Gelegenheit, in Italien, Spanien, Portugal, Luxemburg, Norwegen, den Vereinigten Staaten, Puerto Rico, Kolumbien auszustellen, mit anderen Worten, in einer Reihe von Ländern, in denen ich zumindest meine Arbeit präsentieren konnte, und ich hatte ausgezeichnete Sichtweisen auf die unterschiedlichsten Modalitäten inmitten einer zeitgenössischen Kunst, die sich dadurch auszeichnet, dass es keinen objektiven Standard gibt, an dem sie gemessen werden kann. Unter so vielen Optionen gibt es Möglichkeiten.

In welchem Land wurde Ihre Arbeit am besten aufgenommen?

Es ist offensichtlich, dass die Tatsache, dass ich mit einer Ästhetik komme, die ein wenig an die Tradition, wie wir sie nennen, der Bildtradition der Karibik und mehr noch eines Landes wie Kuba, erinnert, dazu führt, dass all diese fremden kulturellen Elemente in den Prozessen fanatisiert werden und ein neues Produkt entsteht. Aber wer die Malerei mag, wird genau diesen Teil genießen können - die Ästhetik. Das Auge, mit dem wir uns dem Werk zum ersten Mal nähern. Aber dann ist das Werk auch ein Teil von ihm und teilt bestimmte konzeptionelle Logiken, Inhalte. Ich informiere mich gerne darüber, was in der internationalen Kunstszene passiert, über plastische Kunst, über die verschiedenen Richtungen und unerwarteten Formen der zeitgenössischen Kunst. Aber, na ja, ich sehe mich selbst als Maler. Ich mochte die Malerei schon immer als eine Art Sprache, mit der ich eine intellektuelle Logik der Verbindung zu einem Publikum herstellen kann, eine bestimmte kulturelle Logik und das, was ich als Künstler vorschlage.

Welche Techniken verwenden Sie?

Wenn ich mich auf die Tradition beziehe, gibt es bereits eine Art Pfad, der praktisch die Spätgotik kennzeichnet. Alles, was wir von der Renaissance bis zum Anfang des 20. Jahrhunderts kennen, mit der Avantgarde, wie Picasso sagte, was man tut, ist, zu versuchen, sich im Bereich bestimmter Formen vorzubereiten, die in der Kunstgeschichte bereits etabliert sind und eine Art Beitrag zu der neuen Logik zu leisten, in der man sich befindet.

In diesem Zusammenhang kann man in meiner Malerei eine Art Rätsel sehen. Ich habe eine starke Vorliebe für die barocke Ästhetik und meine Lieblingskünstler sind Rembrandt und Rubens, die in der Tradition der historischen Kunst stehen. Ich schätze auch die spanische Sorolla-Schule. Jahrhundert und den Beitrag der Avantgarde, des intellektuellen Teils, fühle ich mich der Kunst von René Magritte sehr verbunden. Als Surrealist hat er die Kunst zu einer Form der Reflexion gemacht, die es uns ermöglicht, über Malerei und Kunst nachzudenken. Es geht nicht nur um ein rein zivilisatorisches Konzept, sondern durch Bilder können komplexe Logiken von Inhalten und Informationen geschaffen werden. In diesem Universum des Wissens kann der Betrachter alles entdecken und finden, was er mit den verschiedenen Formen des Diskurses und allem, was mit der Einzigartigkeit des Künstlers verbunden ist, identifizieren kann. Magritte gibt keine eindeutigen Hinweise, es ist der Betrachter, der seine eigene Bedeutung des Werkes erschafft oder wiedererschafft.

Welchen Eindruck möchten Sie, dass die österreichischen Besucher:innen von Ihren Werken mitnehmen?

Europa blickt immer mit Exotik auf uns. Es ist die unendliche Beziehung zwischen Fiktion und Realität, mit der der europäische Blick auf die lateinamerikanische Welt gerichtet ist. Dieser Dynamik kann ich mich nicht entziehen. Einer der konzeptionellen Ansätze, die ich verfolge, ist sogar, dass meine Malerei eine Art visuelle Fiktion der Realität ist. Ich lebe in einem Land wie Kuba, das sich durch eine Reihe soziopolitischer und kultureller Umstände etwas vom lateinamerikanischen Durchschnitt unterscheidet. Und das bedeutet auch, auch wenn Sie es vielleicht nicht glauben, dass die Kunst in Kuba in jedem ihrer Genres, sei es Tanz, Malerei oder Film, Elemente enthält, die der innerkubanischen Logik entsprechen, aber wir haben so etwas wie eine internationale Berufung, und was wir tun, ist, all diese Elemente und Mechanismen zu nutzen und, wenn Sie so wollen, eine Form des Diskurses zu konstruieren, die dem Publikum innerhalb einer großen Offenheit bestimmte Möglichkeiten bietet, sich mit dem Werk zu verbinden.

Obwohl die Werke einen ausgeprägten Barockstil aufweisen, wäre es möglich, einen anderen Stil zu finden?

Selbst das Konzept des Stils als Ausdrucksform ist ziemlich veraltet. Mit anderen Worten: Was ist eigentlich Stil? Wir haben es mit einer Modalität zu tun, die Kunst definiert, die Kunst vermischt. Wenn jemand eine unsichtbare Skulptur aufstellt und sagt, dass es sie gibt, wenn jemand eine Banane mit einem Band aufstellt wie Herr Cattelan und die Welt der Hochkultur, um es so zu nennen, ihm applaudiert und das mit all den Audios, die sie hassen und lieben... Was soll man sagen. Aber es gibt auch Künstler wie Nerdrum, John Currin, den Amerikaner, und ich könnte noch viele mehr aufzählen, die zu dem gehören, womit ich mich identifiziere, nämlich zur zeitgenössischen Kunst, also zur Malerei und zur zeitgenössischen Malerei, was eine andere Sache ist, denn es gibt eine nicht enden wollende Debatte darüber, ob man, um zeitgenössische Kunst zu machen, integrative, performative Werke machen muss, was großartig ist, sehr gut, aber die traditionellen Künste haben trotzdem viel zu sagen, denn die Frage ist nicht der Stil, sondern die Fähigkeit des Künstlers, mit seinen Ideen ein neues kreatives Kriterium zu schaffen.

Welche Botschaft würden Sie neuen Künstlerinnen und Künstlern mit auf den Weg geben, die gerade anfangen?

Es gibt einen sehr bekannten kubanischen Intellektuellen namens José Lezama Lima, ein berühmter Schriftsteller der neobarocken Literatur. Er sagte, je größer das Universum des Wissens eines Künstlers oder einer Künstlerin ist, desto mehr kann er oder sie die Karte der Schöpfung ausspielen. Das gilt auch für den Zuschauer. Mit anderen Worten, es gibt passive Zuschauer, die Farben sehen werden, die sich mit etwas identifizieren, das du kennst. Kunst ist mehr als das, Kunst ist Information, sie ist eine Ansammlung von Daten, die man aus dem Kino, der Literatur, aus allem, was Kultur im allgemeinen Sinne ist, konsumiert. Und wenn es darum geht, ein Werk zu bewerten, was auch immer es ist, hast du bessere Waffen, wenn du ein wenig über die Art der Sprache weißt, mit der du es zu tun hast. In diesem Sinne ist die Malerei, auch diese Ausstellung mit dem Titel "Zona Caliente", genau eine Folge davon. Mit anderen Worten: Viele werden die Art des kubanischen "choteo" (Scherz) erraten können. Lateinamerikaner neigen immer dazu, Witze über die Umstände zu machen. Die kubanische Kunst, die ich vertrete, ist nicht weniger witzig. Mit anderen Worten, es gibt einen gewissen Witz, einen Scherz, den wir in den Titeln sehen können, und es gibt etwas Surreales in der Ästhetik, die ich auf der inhaltlichen Ebene vorschlage, und ich spiele mit all diesen Elementen, um sie viel reicher zu machen.

Zum Beispiel gibt es hier ein Werk mit dem Titel "Explosion der Luxuskabine des Olimpic" und wenn du das Werk siehst, erkennst du, dass es das grundlegende Bild der Verzückung Europas, nämlich das Mädchen, das den Stier reitet, gut durch die griechisch-lateinische Kultur verkörpert. Im Laufe der Kunstgeschichte haben Künstlerinnen und Künstler dieses Bild immer wieder abgewandelt, und auch ich habe meine Variationen in dieses Werk eingebracht. Hier sehen wir zum Beispiel, dass es zwei Geschichten gibt, die nichts miteinander zu tun haben, eine ganz klassische Geschichte, nämlich die von Zeus, der sich in einen Stier verwandelt, und das Mädchen, das mitgenommen wird, und dann stelle ich sie in einen zeitgenössischen Kontext wie die Explosion. Jetzt befinden wir uns im Krieg. Mit anderen Worten, es gibt eine ziemlich komplexe internationale Situation, heikel, ich weiß nicht. Und das ist ein Element, das man am Ende aus der Realität übersetzt, das heißt, es ist das, was wichtig ist. Die Kunst ist ein Weg, die Umwelt in den Blick zu nehmen.

Kunst, Gegenwart und Zukunft

Kunst ist eine Informationsquelle, die ein Künstler in einer bestimmten Epoche der Geschichte lebt und in die Gegenwart, ja sogar in die Zukunft, für die Gesellschaft und die Menschheit bringt. Sie ist die Konsequenz aus den Beiträgen der verschiedenen Generationen. Kunst ist, sagen wir mal, die ästhetische Rippe all der Gedanken und all der Logik, die passiert und in der das Auge des Künstlers einen gefühlvollen Blick auf die Phänomene wirft, die passieren und sie in künstlerische Bilder übersetzt.

Jetzt wird in Spanien der hundertste Todestag von Sorolla gefeiert. Wenn du dir Sorollas Leben ansiehst, wie er seine Kunst, seine Malerei zu dieser Zeit konzipiert hat. Ich glaube nicht, dass er sich vorstellen konnte, dass er nach 100 Jahren lebendiger denn je sein würde. Wenn du über dasselbe Schema nachdenkst, kannst du keine Kontrolle haben. Du kannst nicht kontrollieren, was in der Zukunft passieren könnte. Du musst so ehrlich und korrekt wie möglich mit deiner Zeit umgehen, mit dem, was du denkst und mit dem, was du produzierst. Es ist eine Herausforderung, weil es alle Arten von Kunst gibt. Es gibt Kunst, die rein dekorativen Zwecken dient und das ist legitim. Gibt es eine Art von Arbeit, die hier notwendig ist? Nennen wir es Malerei, die zu den Möbeln passt, die mit einer Institution zu tun hat, mit einem Thema, sagen wir mal, mit Kindern, weil du eine Institution ehrst, die zum Beispiel die Sache der Kinder unterstützt, usw.

Trotzdem sind es Systeme, an denen man - in gewisser Weise - weiterarbeitet, Beiträge leistet und eine Art von Arbeit hinterlässt. Das sind Informationen. Es gibt eine andere Art von Kunst, die, sagen wir mal, intellektuell dichter ist, komplexer in der Art und Weise, wie sie Formen, Inhalte usw. artikuliert. Aber dafür gibt es eine Institution, ein Gremium von theoretischen Spezialisten, die über die eigene Arbeit sprechen. Es ist also eine Art strukturelles Ganzes, das die Arbeit leitet. Es kann nicht als einfaches visuelles Objekt betrachtet werden. Das Gemälde, die Skulptur, die Installation, egal was, muss eine Struktur haben, die nicht nur emotional, sondern auch intellektuell mit der Gesellschaft verbunden ist, der das Werk geschuldet ist. Es ist ein komplexes Phänomen, das immer noch sehr lebendig ist, die Debatte darüber, was der Zweck der Kunst ist. Aber ich denke, die Antwort ist nicht weit von dem entfernt, was Da Vinci tat, was zu seiner Zeit unbekannt war und was innerhalb dessen funktionierte, was wir Kunst nennen und typisieren. Man schaue sich die Kunst des antiken Griechenlands an, die den Westen, wie wir ihn kennen, begründet hat. Als ich durch Wien spazierte, wurde mir klar, dass man Architektur nicht ohne den griechischen Beitrag verstehen kann. Mit anderen Worten, man fühlt sich mit Rom verwandt, mit all den vielen Welten, die uns vor Jahrhunderten vorausgegangen sind und die wir heute ausstellen können. Es ist ein reicher Weg der Umstände und des Lebens. Wir als Künstler haben einfach eine Art Beitrag zu leisten.

Wie sieht ein normaler Tag von Alexis M. Pantoja aus und woher kommt die Muse, die ihn dazu bringt, all diese schönen Werke mit viel Inhalt zu schaffen?

Kunst hat zwei Säulen, zumindest in der, in der ich ausgebildet wurde. Die eine ist die faktische Säule, wie das Technische, das Handwerk, aufgebaut ist, und die andere ist der intellektuelle Teil. Beide sind miteinander verbunden, manchmal mit der Art der Arbeit, manchmal wird sie als ästhetisch auf der einen Seite, zu inhaltsorientiert und auf der anderen Seite qualifiziert. Kurz gesagt, das sind die beiden Elemente, die meiner Meinung nach die beiden Säulen bilden, die das Ding, die Architektur der Kunst, tragen. Ich bin ein Mensch, der es liebt, über viele Dinge informiert zu sein: Politik, Kultur, Wissenschaft, Technologie. Mit anderen Worten: Man lebt im 21. Jahrhundert. Irgendwie verarbeitet man das bewusst und manchmal unbewusst und die kreative Übung, die man Inspiration nennt - Picasso selbst sagte, dass es so etwas wie Inspiration nicht gibt, ich weiß nicht genau, wie er es gesagt hat, aber er meinte , dass man in der Lage ist, Dinge zu bauen und zu erreichen, wenn man eine Reihe von Disziplinen mit etwas Talent zusammenbringt. Deshalb glaube ich mehr an diesen disziplinarischen Mechanismus, in dem man ständig etwas schafft. Ich bin ein professioneller Maler, das heißt, ich mache nichts anderes, ich bin eben ein Mensch, der es liebt, aus literarischen und kinematografischen Quellen zu trinken, aus allen Informationen, die unbemerkt an den Passanten vorbeigehen, aus den Menschen, aus dem Leben, und das fängt man immer ein und es ist eine Informationsquelle, die dir hilft, eine Idee zu konstruieren. Und aus dieser Idee baut man ein Konzept und von dort aus wird ein bestimmtes Werk zu einem entschlossenen Werk, offen für die Kette der Dinge.

Es ist also eine dichte intellektuelle Übung, die einen Teil deines Tages in Anspruch nimmt. Manchmal wird uns gesagt, dass wir geistesabwesend sind. Dabei ist es nicht geistesabwesend, sondern ich spreche mit dir und es ist möglich, dass ich dein Gesicht und deinen Körper anschaue, ein Bild male und sehe, wie deine Haare aussehen, du nimmst wirklich aus allem Informationen auf und das ist der Reichtum dieser kreativen Sache.

Um die Frage zu beantworten, wie mein Tag aussieht: Ich stehe auf und finde heraus, was in der Welt los ist. Ich liebe es zu wissen, was in der Kunst passiert, vor allem wenn es um Informationen geht. Aber die Kunst, insbesondere die Malerei, interessiert mich sehr. Ich will wissen, welche Diskurse in der Malerei in verschiedenen Teilen der Welt geführt werden. Auch wenn es manchmal unmöglich ist, all dieses Wissen und diese Informationen zusammenzubringen, so ist es doch zumindest das Ziel, das du verfolgst. Genauso wie ich es genieße. Ich bin sehr cinephil, ich liebe das Kino - wenn du Kultkino, Autorenkino magst - natürlich muss ich Avatar genießen, der aus einer hochtechnologischen, exquisiten Visualität besteht. Das kann man nicht ignorieren. Ich meine, all diese Elemente bildeten die Person, die ich heute bin, und die Art von Kunst, die ich produziere.

Zum Schluss, eine Nachricht an die Leserinnen und Leser der Zeitschrift Cultura Latina.

Kunst ist eine der Formen der menschlichen Sensibilität. Deshalb freue ich mich, wenn ihr ein wenig Zeit habt, hier in der Galerie Kunst Riss vorbeikommst und meine Werke bewundern könnt und auch Beziehungen knüpfen könnt, denn ich interagiere auch gerne mit dem Publikum. Ich denke darüber nach, einige Workshops zu veranstalten, eine Art Austausch in Form von Gesprächen, entweder über meine Arbeit oder über kubanische Kunst, denn ich weiß nicht, wie viele Informationen es hier über kubanische Kunst und vor allem über meine Arbeit gibt. Es ist ein Weg, der jetzt beginnt, und wir werden sehen, wie er sich integriert und wächst. Ich bin offen für jede Art von Option, dass jeder, der sich von der Kunst, in diesem Fall von meiner Arbeit, angesprochen fühlt, einfach Verbindungen zu schaffen. Ich bin für all diese Möglichkeiten offen. 

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Riss Kunst Galerie
Ungargasse 8, 1030 Wien
Uhrzeiten: 2 a 8 pm
Telefon: 0699 11328037